Depuis des années, je fais de l’art dans tous les matériaux sur lesquels je peux mettre la main. C’est un médicament, une célébration, un amour profond et mystérieux. C’est un processus sans fin qui me fait entrer dans une exploration continue, toujours expérimenter, envisager, questionner, bouger, servir, grandir et révéler.

Ma première peinture a été inspirée par le fait de voir Bob Ross créer un paysage réaliste en une demi-heure. À l’adolescence, je me suis vraiment mis à peindre des graffitis jusqu’à ce que je sois arrêté (deux fois) et que je décide de me concentrer sur la peinture légale. J’ai obtenu une bourse d’études au California College of Arts and Crafts, et après un semestre de cours de base intensifs mais restrictifs, j’ai décidé de prendre une année sabbatique pour voir si je pouvais réussir en tant qu’artiste sans université. J’ai voyagé en Europe pour étudier indépendamment les anciens maîtres.

Après 2,5 mois à dessiner et à peindre à travers l’Espagne, je suis retourné aux États-Unis pour avoir ma première exposition personnelle, et j’ai vendu assez pour retourner en Europe et le refaire. Cette fois, je suis allé en Italie et en Suisse, et ce voyage a été une leçon d’humilité. J’ai réalisé que j’avais beaucoup à apprendre. Je faisais constamment des dessins de la sculpture qui est partout là-bas. Je pouvais peindre n’importe où, mais la scuIpture était un mystère qui nécessiterait de nouvelles compétences et installations. J’ai décidé de retourner à l’école en tant que majeure individualisée étudiant la sculpture (céramique, verre et métal), la peinture et la photographie.

Mon exposition senior « Remembering Earth » a exploré l’interconnexion de l’humanité avec le paysage, ce que nous faisons à la terre et ce que notre environnement nous fait. C’était lourd, et je devenais un peu blasé d’humanité et frustré par l’état du monde, et je remettais en question mon rôle d’artiste. J’ai obtenu mon diplôme.

Après mon retour à Seattle, j’avais besoin d’essayer quelque chose de différent. J’ai senti que mon conditionnement culturel manquait de quelque chose de très important, et un ami m’a parlé d’une retraite silencieuse de 10 jours qu’il a prise gratuitement où ils enseignent la méditation vipassana, dhamma.org. Je me suis inscrit et j’ai eu des idées qui ont changé ma vie pendant ces 10 jours. Le profond sentiment de paix et de bonheur qui est sorti de ce cours de méditation est devenu le genre d’expression que j’ai ressenti le besoin de mettre dans ma pratique artistique. Si je dois faire des choses qui partagent une vision, j’aimerais que ces choses apportent une vision édifiante qui inspire la joie chez les autres.

J’ai commencé à faire de la poterie par accident. J’étais professeur de céramique de substitution, et après avoir donné une démonstration sur la sculpture d’un visage, une femme a dit « c’est génial, allez-vous me montrer comment faire une assiette sur la roue? » Je ne savais pas vraiment comment faire, alors je lui ai dit « classe suivante », et j’ai appris moi-même quand personne n’était là. Je suis devenu accro. J’ai toujours voulu que chaque pièce que je coupais la roue soit une œuvre d’art, et mon fond de sculpture et de peinture se prêtait parfaitement à cet objectif. Je cherchais également un moyen de rendre mon travail plus accessible à tous, et la poterie d’art est un moyen idéal de glisser un peu d’art dans les rituels nécessaires de la vie quotidienne. Faire des pots est également beaucoup plus rapide que la sculpture ou la peinture, donc je peux l’offrir à des prix beaucoup plus abordables. La plupart de mon travail d’argile est fait avec de l’argile que je recycle. Je reçois des blocs secs et de la ferraille d’argile de potiers qui n’aiment pas le mélange d’argile, et je les trempe et les cale à la vie.

Je maintiens maintenant une pratique d’atelier à temps plein chez Florentia Clayworks à Seattle, équilibrant une production de poterie d’art fonctionnel, de sculpture figurative et de portrait personnalisé.

For years now, I've been making art in whatever materials I can get my hands on. It's a medicine, a celebration, a profound and mysterious love. It's an endless process that has me in a continuous exploration, always experimenting, envisioning, questioning, moving, serving, growing and revealing.

My first painting was inspired by watching Bob Ross bang out a realistic landscape in a half hour. As a teenager, I got really into painting graffiti until I got arrested (twice) and decided to shift my focus to painting legally. I got a scholarship to California College of Arts and Crafts, and after one semester of intensive yet restrictive foundation courses, I decided to take a year off to see if I could make it as an artist without college. I traveled to Europe to independently study the old masters.

After 2.5 months drawing and painting my way through Spain, I returned to the states to have my first solo show, and sold enough to go back to Europe and do it again. This time I went to Italy and Switzerland, and this trip was humbling. I realized that I had a lot to learn. I was constantly making drawings of the sculpture that is everywhere there. I could paint anywhere, but scuIpture was a mystery that would require new skills and facilities. I decided to return to school as an individualized major studying sculpture (ceramics, glass and metal), painting and photography.

My senior exhibition "Remembering Earth" explored humanity's interconnectedness with the landscape, what we do to the earth and what our environment does to us. It was heavy handed, and I was getting a little jaded with humanity and frustrated about the state of the world, and questioning my role as an artist. I graduated.

After moving back to Seattle, I needed to try something different. I felt that my cultural conditioning was missing something very important, and a friend told me about a 10 day silent retreat he took for free where they teach vipassana meditation, dhamma.org. I signed up and had some life changing insights during those 10 days. The deep sense of peace and happiness that came out of this meditation course became the kind of expression I felt the need to put into my art practice. If I am to make things that share a vision, I would like those things to bring an uplifting vision that inspires joy in others.

I began making pottery by accident. I was a substitute ceramics teacher, and after giving a demo on sculpting a face, a woman said "that's great, will you show me how to make a plate on the wheel?" I didn't really know how to, so I told her "next class", and taught myself when no one was there. I got hooked. I always wanted each piece I cut off the wheel to be a work of art, and my sculpture and painting background lent themselves perfectly to that goal. I was also searching for a way to make my work more accessible to everyone, and art pottery is a perfect way to sneak some art into the necessary rituals of everyday life. Making pots is also much faster than sculpture or painting, so I can offer it at much more affordable prices. Most of my clay work is made with clay that I recycle. I get dry blocks and scrap clay from potters who don't like clay mixing, and I soak it and wedge it back to life.

I now maintain a full time studio practice at Florentia Clayworks in Seattle, balancing an output of functional art pottery, figurative sculpture, and custom portraiture.