Draftsmann

Ich zeichne schon sehr lange nackte Menschen. Das ist okay, alle wissen, dass ich es tue, und meine Frau auch (die überhaupt nichts dagegen hat!). Normalerweise gibt es sogar eine finanzielle Vereinbarung, bei der ich die Sitzung entweder direkt an das Modell oder über die organisierende Gruppe bezahle. Aber in letzter Zeit gab es eine interessante Entwicklung: Leute haben mich dafür bezahlt, sie zu zeichnen. So kam es dazu.

Studententage
Mein erster Ausflug ins Aktzeichnen erfolgte 1982 während eines einjährigen Grundkurses in Kunst und Design am Dyfed College of Art. Mein Unterricht fand bei dem sanftmütigen figurativen Künstler Paul Edwards statt, selbst ein Künstler von beneidenswerter Herkunft und Können. Er hatte am Slade bei Lucien Freud gelernt, der wiederum bei Walter Sickert und er bei Whistler und Edgar Degas. Eine künstlerische Tradition, die ich mir später zu eigen gemacht habe!
Wenn sich ein Modell zum ersten Mal vor dir zeigt, überkommt dich zweifellos ein kurzer Schauer der Aufregung angesichts der seltsamen Anordnung: Es ist nackt und entblößt, während alle anderen vollständig bekleidet sind. Dann fängst du an zu zeichnen, und du könntest genauso gut ein Sideboard zeichnen. Du konzentrierst dich auf die Aufgabe.
Wenn ich auf meine ersten Zeichnungen zurückblicke, stelle ich fest, dass ich ein Auge für Proportionen hatte, auch wenn die Qualität meiner Linienführung etwas plump war. Von Anfang an interessierte mich die Linie mehr als Ton oder Farbe und ich bemühte mich, Akzente durch Variation der Linienstärke zu setzen, anstatt sie stark zu schattieren oder zu schraffieren. Ich experimentierte zwar noch wie angewiesen mit Farbe, Kohle und Pastell, aber meine Liebe zum Bleistift hatte sich bereits festgesetzt. Ich war schon immer fasziniert von all den potenziellen Meisterwerken, die in der schlanken Form eines Bleistifts stecken.
Ich besuchte weiterhin Zeichenkurse mit lebenden Modellen, auch als ich die nächste Ausbildungsstufe antrat, ein HND in Technischer Illustration am Swansea Institute of Higher Education. Der Kurs legte Wert auf das Zeichnen und freute sich, dass wir an den anderen Kursen der Kunstfakultät teilnehmen konnten, die allen Interessierten offen standen. Darüber hinaus lernte ich analytisches Zeichnen und die Luftperspektive – die technische Illustrationstechnik, bei der man die Dicke einer Linie verstärkt, die sich außen oder vor einem anderen Teil eines Objekts befindet. Linien unter Objekten werden zusätzlich stärker betont, um das Gewicht des Objekts anzudeuten. Diese Technik lässt sich auch auf Figuren oder alles andere anwenden, was man zeichnet. Ich wende sie noch heute an.
Ich habe diese Entwicklungsjahre damit verbracht, fast ausschließlich in Schwarzweiß zu arbeiten. Es gab so viel zu perfektionieren, dass ich mit Bleistift nicht das Bedürfnis verspürte, Farbe hinzuzufügen. Ich habe zwar immer noch mit Pastell- und Buntstiften experimentiert, aber nicht mit der gleichen Anwendung.

Glaslicht
Nachdem ich die Hochschule verlassen hatte (wie sich herausstellte, nur kurz), besuchte ich weiterhin Zeichenkurse mit lebenden Modellen in meiner Heimatstadt Swansea. Diese fanden damals in den Glasslight Studios im alten Pumpenhaus der Marina (heute eine Pub-Kette) statt. Glasslight wurde von einem Kollektiv von Glasmalern betrieben, die den weltberühmten Kurs in der Stadt absolviert hatten und donnerstagabends einen Kurs mit wechselnden Modellen organisierten. Diese wöchentliche Disziplin hielt meine Fähigkeiten aufrecht und verhalf mir zu vielen nützlichen Kontakten in der Kunstszene. Als ich 1988 meine Frau kennenlernte, besuchte ich weiterhin die Kurse und profitierte gleichzeitig davon, ihre schlanken Formen zu Hause zu zeichnen.
Ende 1990 gingen wir für ein Jahr auf Reisen und abgesehen von ein paar Kursen, die ich in Oregon besuchte, habe ich bis zu unserer Rückkehr und unserer erneuten Niederlassung kein Modellzeichnen gemacht – eine Pause von fast zwei Jahren.

Die Glynn Vivian
Swansea hat eine kleine, aber beeindruckende edwardianische Kunstgalerie, die Glynn Vivian. Dorthin ging ich einige Jahre lang, um wieder Akte zu zeichnen. Die Kurse, wieder donnerstags, fanden im Hauptfoyer statt, einem Raum mit wunderschön gefliesten Böden und gemauerten Treppen und Balkonen. Da der Kurs sehr gut besucht war und der Raum so groß war, stellten sie uns zwei Modelle gleichzeitig zur Verfügung, sodass wir die Qual der Wahl hatten. Die Kurse liefen einige Jahre, bis der Stadtrat beschloss, die Finanzierung einzustellen. Wie sie trotz so vieler Teilnehmer keinen Gewinn abwarfen, war mir jedoch ein Rätsel.
Ein Wort zu den Models. Nicht jeder kann diesen Job machen. Man braucht Selbstvertrauen, Entschlossenheit, Geduld und ein überraschendes Maß an Kraft und Ausdauer. Ich bin fast immer von ihnen beeindruckt. Es gibt zwar das eine oder andere glanzlose Model, das pingelig ist und sich bei seinen Posen nicht viel Mühe gibt, aber glücklicherweise sind sie die Ausnahme von der Regel. Diese Disziplin zieht bestimmte Charaktere an, unabhängig von ihrer Herkunft oder Erziehung. Ich habe Bauarbeiter, pensionierte Lehrer, Soldaten, Tänzer, Künstlerkollegen, Yoga-Gurus und Rugbyspieler von 18 bis 80 Jahren gezeichnet (eigentlich nicht so viele 80-jährige Rugbyspieler), und sie alle hatten ein bewundernswertes Selbstbewusstsein und fühlten sich in ihrer Haut wohl. So wie ich es verstehe (ich habe es selbst nie ausprobiert), gibt ihnen das Posieren eine Körperpositivität, für die die meisten von uns eine lange Therapie brauchen würden. Es handelt sich in der Regel um einen Teilzeitjob, aber es gibt auch einige Models, die davon leben, indem sie für Hochschulen und Universitäten posieren und die verschiedenen Kurse in der Gegend besuchen. Es gibt auch die Möglichkeit, für Künstler in ihren Ateliers einzeln zu posieren, aber ich selbst habe noch nie ein Model auf dieser Basis engagiert. Es mag nicht überraschend sein, dass einige Models Pseudonyme verwenden, um anonym zu bleiben, aber die meisten sind völlig offen über ihre Arbeit.
Natürlich habe ich auf meinem Weg auch ein paar Kuriositäten erlebt. Es gab ab und zu ein Model, das eine Erektion bekam – meist ignoriert von allen, bis sie abklang. Wir hatten ein paar Frauen im Hochschwangerschaftsstadium, deren Brustwarzen anfingen zu tropfen, und einen unglücklichen älteren Herrn, der posierte, ohne zu wissen, dass er einen Klopapierstreifen trug. Ich glaube, niemand hat das in seine Zeichnung eingearbeitet. Ich fand keinen dieser Vorfälle peinlich, in allen Fällen wird man nur an die Menschlichkeit erinnert, deren Zeuge man werden darf.

Lehre
Um 1998 wurde ich gebeten, im Grundkurs am Swansea Institute den Kurs für Aktzeichnen zu unterrichten. Mir hat der praktische Unterricht, den das Zeichnen erfordert, immer Spaß gemacht, aber ich fand es frustrierend, zwei oder drei Stunden in einem Aktraum zu stehen, ohne selbst zu zeichnen. Folglich habe ich, obwohl ich mich mit Aktzeichnen beschäftigte, selbst nicht viel gezeichnet! Zuvor hatte ich als Teilzeitdozentin verschiedene Fächer unterrichtet, darunter analytisches Zeichnen, Grafikdesign und perspektivisches Zeichnen, aber Aktzeichnen ist etwas ganz anderes.
In einer Gruppe mit unterschiedlichen Fähigkeiten (die sich bereits bei der ersten Zeichnung des Schülers zeigen) fand ich es am besten, meine Zeichenweise zu demonstrieren und den Künstler dann zu ermutigen, seinen eigenen Weg zu finden. Jeder Künstler möchte seinen eigenen Stil finden, und es ist nahezu unmöglich und etwas albern, diesen vorzuschreiben oder vorherzusagen. Allein in Ansatz, Technik und Materialien gibt es so viele Variablen, dass man ihnen eigentlich nur das Aussehen beibringen kann.
Ich habe im Laufe der Jahre viele Kurse unterrichtet und bin grundsätzlich der Meinung, dass meine Aufgabe erfüllt ist, wenn ein Schüler den Funken findet, der die Lebensform vor ihm definiert.
Seit Kurzem unterrichte ich wieder und gebe Meisterkurse im Zeichnen mit lebenden Modellen für andere Künstler an der Royal Cambrian Academy of Art (deren Mitglied ich bin) in Nordwales und in der Galerie du Nord in Amsterdam.

Die Flaute
Als unsere Familie auf vier Kinder anwuchs und die Arbeit anspruchsvoller wurde, wurde mein regelmäßiges Zeichnen fünf oder sechs Jahre lang unregelmäßig. Es war schwierig, eine Routine zu entwickeln, da meine Frau und ich beide Vollzeit arbeiteten und die Kinder durch die manchmal turbulenten Zeiten der Kindheit begleiteten. Einen Teil dieser Zeit besuchte ich die verlegten Reste der Glynn Vivian-Sitzungen im Swansea Print Workshop, und dies wurde schließlich für einige Jahre zu meinem bevorzugten Treffpunkt. Ich bezweifle, dass ich in dieser Zeit insgesamt mehr als ein paar Skizzenbücher gefüllt habe, aber das ließ sich nicht ändern.

Regelmäßige Zeichnungs-Lebensläufe
Irgendwann hatte ich wieder Zeit für eine regelmäßige wöchentliche Sitzung und gönnte mir sogar gelegentlich eine Montagmorgen-Sitzung im Print Workshop. Dadurch lernte ich eine andere Gruppe reiferer Künstler kennen. Diese alten Männer zeichneten seit über 40 Jahren und waren ein fantastischer Haufen mit viel Erfahrung und Geschichten. Einige waren wirklich sehr gute Künstler, erfahrene Handwerker. Ich teilte meine Arbeiten gerne mit ihnen und lernte zu schätzen, dass das Alter beim Zeichnen keine Rolle spielt. Es ist ein lebenslanger Drang. Es war auch ein kleiner, unerlaubter Nervenkitzel, sich morgens von der Arbeit freizunehmen, um zu zeichnen – ein Privileg, das einem die Führung eines eigenen Unternehmens hin und wieder gewährt.
Ich hatte meine Arbeiten schon seit einiger Zeit auf einer Website beworben, allerdings mit wenig Erfolg, als mich plötzlich eine schwangere Frau aus Manchester anrief, die Aktporträts in Auftrag geben wollte. Wir einigten uns auf ein Honorar, das meine Arbeitszeit und die Anfahrt abdeckte, und ich fuhr für einen Tag hin, um sie zu zeichnen, während ihr Mann und ich im Radio Cricket hörten. Wer noch nie einen Zeichenkurs mit lebenden Modellen besucht hat, findet das vielleicht seltsam, und ich kenne die „Weiter so“-Haltung, die den meisten Leuten als erstes in den Sinn kommt, nur zu gut. Aber sie ist überhaupt nicht ungewöhnlich oder unangenehm, sobald man sich auf die Situation einlässt. Das Paar freute sich sehr über das einzigartige, persönliche Andenken an die Schwangerschaft, und ich genoss ihre Gesellschaft und wurde für meine Mühe gut entlohnt. Wir haben auch das Cricket gewonnen.
Die Donnerstagabendgruppe im Print Workshop gab es mittlerweile schon so lange, dass sie ihre eigenen unausgesprochenen Regeln entwickelt hatte. Dieselben Leute (mehr oder weniger) erschienen jede Woche und saßen an denselben Plätzen. Geleitet wurde sie von Steve, einem Maler und Lackierer während der Arbeitszeiten, der die Modelle in einem Rotationssystem von etwa sechs Stammgästen einteilte, den Arbeitsbereich öffnete und schloss und das Geld einkassierte. Er sprang sogar als Modell ein, wenn jemand nicht erschien. Und das alles auf freiwilliger Basis; es hätte mich nicht überrascht, wenn er auch fürs Zeichnen bezahlt hätte. Ich bewundere solche selbstlosen Menschen, sie sind das Öl, das einen Großteil der Gesellschaft am Laufen hält. Das einzige Problem für mich war, dass die Stammmodelle, die sie beschäftigten, allmählich etwas zu sehr an Wiederholungen gewöhnt waren. Die Posen waren meist dieselben, jedes Modell hatte sein eigenes Repertoire, und ich begann die Wochen mit Modellen zu vermissen, die ich nicht gern zeichnete. Die Gruppe besteht nun seit fast zwanzig Jahren und tut dies auch nach einer pandemiebedingten Zwangspause noch immer. Ich war in den letzten achtzehn Monaten jedoch nur ein paar Mal dabei und fand es schwierig, mich wieder einzugliedern.
Um 2017 herum fand ich heraus, dass ich an der Zeichengruppe der Kunstgesellschaft der Swansea University teilnehmen konnte. Jede Woche präsentierte eine Gruppe eifriger Studenten ein anderes Modell, oft im Rahmen ihrer Wunschvorstellung. Ich finde es immer wieder bemerkenswert, wie sich ein völliger Anfänger schnell nackt vor einer Gruppe Fremder wohlfühlen kann. Viele der Studenten, die ich zeichnete, posierten zum ersten Mal, strahlten aber eine Professionalität und Ruhe aus, die darauf schließen ließ, dass sie es schon seit Jahren machten.
Etwa zur gleichen Zeit fuhr ich manchmal ins Tal hinauf zur Samstagmorgengruppe des Pontardawe Arts Centre und auch zu einem gelegentlichen Kurs in Crickhowell, der vom stets hervorragenden Tony Tribe geleitet wurde. Jedes Mal stellte ich fest, dass die Gruppen einen ähnlichen Typ von Menschen anzogen, nicht überraschend Menschen, mit denen ich oft viel gemeinsam hatte.
Dasselbe galt für die Gruppe, die sich etwa 2018 wöchentlich dienstags in der Elysium Gallery in der Stadt traf. Die Einrichtung hier war sehr schön, mit einer großen Auswahl an Modellen, ganz im Gegensatz zu denen, die ich sonst nur aus dem Print Workshop kenne. Die Gruppe fand ebenfalls in der Galeriebar statt, und im Eintrittspreis war ein Getränk inbegriffen. Es war eine angenehme Abwechslung, zwei Stunden lang mit einem Pint Gower Gold zu sitzen und zu zeichnen!
Ein Wort zur Länge der Posen. Die Donnerstagsgruppe, die ich lange besuchte, hatte eine feste Reihenfolge der Posenzeiten – zwei fünfminütige Posen zum Aufwärmen, gefolgt von drei 30-minütigen Posen. Ich gewöhnte mich an dieses Schema und passte meinen Stil daran an: Die kurzen Posen führte ich kräftig mit wasserlöslichem Graphit 8B aus, vermischt mit klarem Wasser, und die längeren, präziseren Zeichnungen mit wasserlöslichem Bleistift 3B, übermalt mit Wasserfarben. Als ich anfing, die Elysium-Sitzungen zu besuchen, boten sie 10-minütige Posen gefolgt von 20-minütigen an. Anfangs verwirrte mich das und ich hatte Mühe, meinen Zeichenstil anzupassen. Dann fiel mir ein, dass ich Zeit hatte, Farbe in die kurzen Posen einzubringen. Es war eine Offenbarung und ich begann sofort, mein Zeichnen und Malen der verfügbaren Zeit anzupassen. Das Ergebnis waren viel lebendigere Zeichnungen, obwohl die Trefferquote geringer war.
Inzwischen zeichnete ich zweimal pro Woche zwei bis drei Stunden lang und entwickelte einen Stil, mit dem ich zufrieden war und der sich an die Länge der Pose anpassen ließ. Dann kam die Pandemie und wie vieles andere wurden auch die Kurse geschlossen.

Lockdown-Vielfalt
Da keine Kurse stattfanden, machte ich etwa eine Woche lang einen kalten Entzug. Meine Arbeit als Grafikdesigner ließ während der Rezession nach, und obwohl ich einige neue Sachen bekam, hatte ich jede Menge Zeit. Nun bin ich nicht besonders gut im Untätigsein, mir wird schnell langweilig und ich spüre, wie der Drang, kreativ zu sein, in mir wächst. Ich hörte, wie die Leute während des Lockdowns in Kontakt blieben, und lud Zoom herunter, um zu sehen, was es damit auf sich hatte. Das war eine Offenbarung. Zuerst überredete ich meine Schreiblehrerin, dass sie ihre Kurse mit dieser neuen Software durchführen könnte, und es funktionierte gut, alle gewöhnten sich schnell daran. Während eines dieser Kurse dämmerte mir, dass ich von jedem Sprecher eine ungewöhnliche Perspektive bekam, und ich fragte mich, wie es wäre, per Zoom ein (herkömmliches) Porträt von jemandem zu zeichnen. Also bat ich auf Facebook um Freiwillige, und es lief hervorragend, sodass ich schnell hintereinander drei Ölporträts fertigte. Dies veranlasste mich, ein Projekt zu entwickeln, bei dem ich während der zwölf Wochen des Lockdowns 19 Porträts malen wollte (Co-Vid 19).
Währenddessen hatte ich noch Zeit, mehr zu tun, also begann ich, mir die Online-Zeichenkurse mit lebenden Modellen anzusehen, die überall aus dem Boden schossen. Diese wurden manchmal von Gruppen geleitet, die zuvor Präsenzkurse abgehalten hatten, von unternehmungslustigen Einzelpersonen oder sogar von den Modellen selbst, und konnten innerhalb angemessener Zeitzonenbeschränkungen absolut überall auf der Welt stattfinden. Die Arrangements brachten einige außergewöhnliche Kombinationen hervor – eine in Schottland organisierte Gruppe mit dem Modell in Mexiko oder eine Gruppe in den Niederlanden mit dem Modell in Indien zum Beispiel. Ich zeichnete Modelle in Australien, den USA, Indien, Kolumbien und Taiwan – alles innerhalb von ein paar Wochen. Ich unterhielt mich mit anderen Künstlern auf der ganzen Welt und stellte wieder einmal fest, dass viele Gleichgesinnte unabhängig von ihrer Nationalität waren. Es war inspirierend und ich steigerte meine Zeichenzeit auf drei bis vier dreistündige Sitzungen pro Woche und füllte ein Skizzenbuch nach dem anderen.
Mein Stil hat sich erneut angepasst, da das Zeichnen von einem Flachbildschirm einen Meter vor einem etwas völlig anderes ist als die Teilnahme an einem Live-Kurs. Aber ich merkte schnell, dass manche Dinge mit Zoom tatsächlich besser waren. Ich musste nirgendwo hingehen oder meine Sachen mit mir herumschleppen, ich konnte zeichnen, wann immer es mir passte, und einige der Kamerawinkel und Linsenverzerrungen, die die Models ausnutzten, sorgten für sehr interessantes Material. Einige Models wurden zu meinen Favoriten – ein Mädchen, das jeden Montagmorgen in Amsterdam von ihrer Wohnung aus posierte, eine italienische Schauspielerin, die in Barcelona lebt, eine Australierin, deren Sitzungen um 9:00 GMT stattfanden, wo die anderen Künstler in ihrer Nähe abends ein Glas Wein tranken, während ich meinen Frühstückskaffee trank, und die wundervolle, fantasievolle Olja, eine polnische Schauspielerin und Tänzerin, die in Belgien lebt. Olja legte die Messlatte höher, indem sie anspruchsvolle Posen aus verrückten Winkeln präsentierte, oft inspiriert von Künstlern, von denen ich noch nie gehört hatte und die sie für Posen recherchiert hatte (Dennis Sarahzin, Ferdinand Hodler, Malcolm Liepke).
Ich begann zum ersten Mal seit Jahren wieder mit Pastell- und Buntstiften zu experimentieren und verliebte mich wieder in den Prozess. Es gibt immer noch Phasen, in denen ich Schwierigkeiten habe, manchmal wegen des Modells, der Länge der Posen oder einer schlechten Bildqualität, aber meistens, weil ich nicht immer dazu in der Lage bin. Es ist kein Wasserhahn, den man auf- und zudrehen kann, aber je mehr man zeichnet, desto besser wird man und desto weniger schlechte Zeichnungen entstehen. Meistens.

FKK
Nach all den Jahren und Tausenden von Zeichnungen hatte ich kaum eine meiner Arbeiten verkauft – nicht, dass ich mich besonders bemüht hätte. Da war der Auftrag in Manchester, ich hatte eins über eine lokale Galerie verkauft, ein paar an ein Model und eine Handvoll über Instagram, aber ich konnte keinen großen Markt für Akte erkennen. Nach einem Besuch an einem FKK-Strand in Griechenland im Jahr 2019 dämmerte mir, dass ich vielleicht einen potenziellen Markt gefunden hatte. Die Idee stagnierte, bis der Lockdown kam und ich Zeit fand, etwas daraus zu machen. Ich entwarf eine Anzeige für das britische Naturism-Magazin in der Hoffnung, dessen Mitglieder für ein Aktporträt von sich selbst oder ihrem Partner zu interessieren. Nach drei Wochen erhielt ich eine Anfrage von einem Herrn, der zufällig gleich bei mir in der Straße wohnte! Da dies während des Lockdowns geschah, mussten wir jedoch weiterhin Zoom verwenden. Die Sitzung verlief jedoch gut, und ich verkaufte ihm eine Reihe von Porträts. Aber dann passierte nichts.
Ein paar Wochen später erhielt ich einen Anruf von der Zeitschrift, um zu fragen, ob die Anzeige funktioniert hatte. Als ich verneinte, schlugen sie mir vor, stattdessen Mitglied zu werden, damit ich meine Arbeit in den Foren ihrer Website bewerben könnte. Es funktionierte, und bald hatte ich fünf oder sechs Aufträge auf dem Konto (ja, ich trug immer noch einen – ich brauchte einen Platz für meine Stifte). Seitdem habe ich Aufträge für Naturisten in ganz Großbritannien, Portugal, Spanien und den USA ausgeführt – das ist das Schöne daran, es über Zoom zu machen: Es spielt keine Rolle, wo sich die Porträtierten befinden. Sie fühlen sich auch wohl, vielleicht weil sie es gewohnt sind, nackt zu sein, aber auch, weil sie sich in ihrer häuslichen Umgebung befinden.
Anfang des Jahres erhielt ich die Anfrage, ein Paar anlässlich seines fünfzigsten Jubiläums in einem FKK-Resort in Wales zu zeichnen. Das war etwas Besonderes, da ich die beiden von Angesicht zu Angesicht zeichnen würde. Besonders anders war, dass ich auch nackt sein musste! Ich wusste nicht, wie ich das aufnehmen sollte, aber sie boten eine gute Summe für die Arbeit, und das Wetter schien okay zu sein, also sagte ich nach Rücksprache mit meiner stets toleranten Frau zu. Ich hatte keine Skrupel, mich auszuziehen. Ich war schon mehrmals an FKK-Stränden im Ausland gewesen, aber immer bei heißem, sonnigem Wetter, und so schön Westwales auch ist, so warm ist es dort nicht oft. Es war aber okay, die Fotografen waren sehr freundlich und beruhigten mich schnell, führten mich über das Gelände und versuchten, mir weitere Arbeiten zu sichern, während ich dort war. Also saß ich nackt da und zeichnete durch einen kühlen, leichten Nebel, den alle nach Kräften ignorierten. Es war eine Herausforderung, nicht weil ich nackt war – daran gewöhnt man sich schnell –, sondern weil ich seit gut einem Jahr zum ersten Mal jemanden gezeichnet hatte, der nicht auf dem Bildschirm zu sehen war. Sie waren mit der Arbeit zufrieden und machten mir netterweise Mittagessen, bevor ich wieder losfuhr.

Wie geht es weiter?
Also, was habe ich außer ein bisschen Geld vom Zeichnen?, frage ich mich oft. Die kurze Antwort lautet: Ich finde Frieden darin. Beim Zeichnen schalte ich mein Gehirn ab und überlasse Instinkt und Übung die Arbeit. Zeichnen in jeder Form ist eine großartige Disziplin für einen visuell kreativen Menschen (ich bin von Beruf Grafikdesigner). Es umfasst Linie, Form, Farbe, Komposition, Technik und entwickelt Konzentration und Urteilsvermögen. Die zeitliche Beschränkung durch die Ausdauer des Modells erfordert schnelles Arbeiten und eine ständige, spontane Neubewertung von Linie, Wert und relativen Proportionen. Man lernt zu schätzen, dass kleine Details die Lebenskraft einer Zeichnung ausmachen können – ein Hauch hier, eine gestische Bewegung dort, selbst ein Tropfen oder Spritzer können ein Werk beleben.
Ich habe vor Kurzem angefangen, bei meiner Arbeit Zeitrafferfilme zu drehen, und die Ergebnisse waren sehr interessant. Mir war nicht bewusst, dass ich jede Zeichnung so anders angehe: Manchmal skizziere ich die Proportionen zuerst leicht, manchmal beginne ich am Kopf, manchmal an den Füßen. Es ist natürlich ein intellektueller Prozess, aber nach all den Jahren der Erfahrung denke ich nicht aktiv darüber nach, sondern reagiere einfach auf das, was ich sehe. Ich freue mich, dass es zeigt, dass ich auch nach all der Zeit noch immer aus diesem Prozess lerne. Er fasziniert mich seit über vierzig Jahren, und ich sehe kein Ende in Sicht.

I’ve been drawing naked people for a very long time. It’s OK, they all know I’m doing it, and so does my wife (who doesn’t mind in the least!). In fact, there is usually some financial arrangement by which I pay for the session either direct to the model or via the organising group. But recently there’s been an interesting development — People have been paying me to draw them. This is how it came about.

Student Days
My first foray into life drawing took place during a year long Foundation Course in Art & Design at Dyfed College of Art in 1982. I was taught by the softly-spoken figurative artist Paul Edwards, himself an artist of enviable pedigree and skill. He had been taught by Lucien Freud at the Slade, who had in turn been taught by Walter Sickert, and he, by Whistler and Edgar Degas. An artistic lineage I have subsequently proclaimed for myself!
The first time you have a model reveal themself to you there is undoubtedly a brief frisson of excitement at the oddness of the arrangement by which they are naked, exposed, while everyone else is fully clothed. Then you start to draw and you might as well be drawing a sideboard. You concentrate on the task at hand.
When I look back at my earliest life drawings I can see that I had an eye for proportion even if the quality of my linework was a little gauche. From the outset I was more interested in the line than the tone or colour and made efforts to delineate emphasis by varying the strength of my line rather than heavily shading or crosshatching. I still experimented, as directed, with paint, charcoal and pastels, but my abiding love affair with the pencil had already taken root. I have always been fascinated by all the potential masterpieces contained in the slim form of a pencil.
I continued to seek out life drawing classes when I moved on to the next level of education, a HND in Technical Illustration at Swansea Institute of Higher Education. The course valued drawing and was happy for us to add ourselves to other courses’ life sessions that were open to all-comers in the Faculty of Art. In addition, I learned analytical drawing and the perspective of air — the technical illustration technique by which you increase the thickness of a line that is on the outside of an object or in front of another part of the same. Lines underneath objects are also given more emphasis to suggest the object’s weight. This technique can also be applied to the figure, or anything you draw in fact. I still employ it today.
I spent these developmental years working almost entirely in monochrome. There was so much to perfect with just a pencil that I did not feel the need to add colour to the equation. I still fiddled about with pastels and coloured pencils but not with the same application.

Glasslight
When I left Higher Education (briefly, as it was to turn out) I continued to attend life drawing sessions in my hometown of Swansea. These were held at the time in the Glasslight Studios, in the old pump house of the Marina (now a chain pub). Glasslight was run by a collective of stained glass artists who had trained at the world renowned course in the city and arranged a life class with a rota of models on a Thursday night. This weekly discipline kept my skills up and helped make a number of useful contacts in the arts community. When I met my wife in 1988 I continued to attend while also benefitting from drawing her svelte form at home.
We went travelling for a year in late 1990 and aside from a couple of classes I joined in Oregon I didn’t do any life drawing until we returned and settled down again, a break of nearly two years.

The Glynn Vivian
Swansea has a small but impressive Edwardian art gallery, the Glynn Vivian and it was here that I went for a few years to draw nudes again. The sessions, again on a Thursday, were held in the main foyer, a space of beautifully tiled floors and balustraded staircases and balconies. As the class was very well attended, and in such a large space, they provided two models at the same time, spoiling us for choice. The classes ran for a few years until the council decided to withdraw funding, though how they didn’t turn a profit with so many attendees was beyond me.
A word here about the models. Not everyone can do this job. You need confidence, determination, patience and a surprising amount of strength and stamina. I am almost always in awe of them. You do get the odd lacklustre model who are finicky and unwilling to make much of an effort with their poses, but thankfully they are the exception to the rule. The discipline attracts a certain character regardless of their background or upbringing. I’ve drawn builders, retired teachers, soldiers, dancers, fellow artists, yoga gurus and rugby players, from eighteen to eighty (in truth, not so many eighty-year-old rugby players), and they have all had an admirable self-awareness and a comfort in their own skin. From what I understand, I’ve never tried it myself, posing gives them a body positivity that would take most of us a long time in therapy to achieve. It’s generally a part-time job but there are a few models who make a living out of it, posing for colleges and universities as well as doing the rounds of the various classes about the area. There are also opportunities to pose one-to-one for artists in their studios, but I have never engaged a model on this basis myself. It may not be surprising that some models use pseudonyms to remain anonymous but most are completely open about what they do.
Naturally, I’ve experienced a few oddities along the way. There has been the occasional model who got an erection —usually ignored by all until it fades. We’ve had a couple of late stage pregnant women whose nipples have started dripping, and we had one unfortunate elderly gent who posed, blissfully unaware that he was sporting a tail of toilet paper. I don’t think anyone included it in their drawing. I didn’t find any of these incidents embarrassing, in all cases you are just reminded of the humanity that you are being privileged to witness.

Teaching
Around 1998 I was asked to teach the life drawing class on the Foundation course at Swansea Institute. I have always enjoyed the hands on teaching that drawing necessitates, but I found it frustrating to be in a life room for two or three hours without doing any drawing myself. Consequently although I was involved in life drawing, I was not doing so much myself! I had taught a number of subjects as a part time lecturer previously, including analytical drawing, graphic design and perspective drawing, but life drawing is another thing entirely.
In a group of mixed abilities (which are obvious from the first drawing the student makes) I found that the best approach was to demonstrate the way I draw and then to encourage the artist to find their own way. Every artist wants to find their original style, and it is virtually impossible, and somewhat fatuous, to proscribe or predict what this may be. There are so many variables in approach, technique and materials alone, that you can only really teach them how to look.
I have taught many classes over the years and in the main I feel that if a student can find the spark that defines the life-form before them, my job is done.
I have recently been teaching again, holding life drawing masterclasses for other artists at the Royal Cambrian Academy of Art (where I am a member) in North Wales and in Amsterdam at the Galerie du Nord.

The Lull
As our family grew to four children and work became more demanding, my regular drawing became erratic for five or six years. It was difficult to have any routine with my wife and I both working full time and ferrying the kids through childhood’s occasionally turbulent waters. For part of this time I attended the relocated remnants of the Glynn Vivian sessions at Swansea Print Workshop, and this eventually became my venue of choice for several years to come. During this period I doubt I filled more than a couple of sketchbooks in total, but that could not be helped.

Regular Drawing Resumes
Eventually, I began to have time for a regular weekly session again and even began treating myself to an occasional Monday morning session at the Print Workshop too. This introduced me to a different set of artists of the more mature variety. These old guys had been drawing for forty years plus and were a fantastic bunch of characters with a wealth of experience and stories to relate. A couple were very good artists indeed, time served craftsmen. I enjoyed sharing my work with them and gained an appreciation that age was not an issue when it came to drawing. It’s a lifelong urge. There was also a little illicit thrill to nicking off work for the morning to draw, a privilege that running your own business can allow from time to time.
I’d been promoting my work on a website for some time by now with little success when I got a call out of the blue from a pregnant woman in Manchester who wanted to commission some nude portraits. We agreed a fee that covered my time and travel, and I went up for the day to draw her while her husband and I listened to the cricket on the radio. Anyone who hasn’t been to a life drawing class might find this odd, and I am acutely aware of the ‘Carry On’, nudge, nudge, wink, wink attitude that is foremost in most people’s minds, but it is not in the least bit unusual or uncomfortable once you are engaged in the situation. The couple were very happy with the unique, personal memento of the pregnancy, and I enjoyed their company and was well paid for my effort. We won the cricket too.
The Thursday evening group at the Print Workshop had been going so long by now that it had developed its own unspoken rules. The same people (more or less) would appear every week and sit in the same places. Run by Steve, a painter and decorator in work hours, who arranged the models in a rota of six or so regulars, opened and closed the workspace and took the money. He even filled in as the model on occasions when there was a no show. And all this on a voluntary basis, it wouldn’t have surprised me if he also paid to draw. I marvel at selfless people like this, they are the oil that keeps much of society running. The only issue for me was that the stable of regular models they employed began to get a bit too familiar with repetition. The poses tended to be the same, each model has their own repertoire, and I started to miss the weeks with models I was not keen on drawing. The group has now been running for nearly twenty years and continues to do so after an enforced pandemic lay-off but I have only been a couple of times in the last eighteen months and found it difficult to re-integrate.
Around 2017 I found that I could attend the life drawing group run by Swansea University art society. This presented a different model each week from an eager band of students, often posing as part of their bucket list. I always find it remarkable that a complete novice can quickly become comfortable nude in front of a group of strangers. Many of the students I drew were posing for the very first time, yet had a professionalism and calmness in the task that seemed to suggest they’d been doing it for years.
I sometimes travelled up the valley to Pontardawe Arts Centre’s Saturday morning group around the same period, and also to an occasional class in Crickhowell run by the always excellent Tony Tribe. In each case I found the groups attracted a similar type of person, not surprisingly people I often had a lot in common with.
The same was true of the group that began weekly on Tuesdays at the Elysium Gallery in the city in about 2018. The setup here was very nice with a range of different models to the ones I was overly accustomed to drawing at the Print Workshop. It was also held in the gallery bar, and the entry fee included a drink. It was a pleasing novelty to sit with a pint of Gower Gold while drawing for two hours!
A word about the length of poses. The Thursday group I attended for so long had a set order of pose times — two five minute poses to warm up, followed by three 30 minute poses. I became used to this regime and tailored my style to suit, the short poses done vigorously in 8B water soluble graphite, blended with plain water, and the longer, tighter drawings in 3B water soluble pencil washed over with watercolours. When I started going to the Elysium sessions they offered 10 minute poses followed by 20 minute ones. Initially this threw me and I struggled to adjust my drawing style. It then occurred to me that I had time to introduce colour to the short poses. It was a revelation and I immediately began to loosen up my drawing and painting to fit the time available. This resulted in far more lively drawings, although the hit rate of successful ones was lower.
By now I was drawing twice a week for two to three hours and developing a style I was happy with that was adaptable to the length of pose. Then came the pandemic and, like much else, the classes were closed down.

Lockdown Diversity
With no classes taking place, I went cold turkey for a week or so. My graphic design work was waning in the downturn and, although I was getting some new stuff in, I found myself with plenty of time on my hands. Now I am not very good at being idle, I get bored quickly and can feel the urge to be creative building up in me. I started hearing about the ways in which people were keeping in touch during lockdown, and downloaded Zoom to see what the fuss was about. It was an eye-opener. At first I persuaded my writing tutor that she could run her classes with this new software and it worked well, everyone quickly assimilated. During one of these classes it dawned on me that I was getting an unusual perspective of each speaker in turn, and I wondered what it would be like to draw someone’s (conventional) portrait via Zoom. So I asked for volunteers on Facebook and found it went extremely well, making three oil portraits in quick succession. This led me to develop a project to paint 19 portraits (Co-Vid 19) over the twelve weeks of lockdown.
While this was going on I still had time to do more, so I started looking at the online life drawing sessions that were springing up all over the place. These were sometimes run by groups that had previously run in-person classes, by enterprising individuals, or even by the models themselves, and could be based absolutely anywhere on the globe within reasonable timezone restrictions. The arrangements threw up some extraordinary combinations — a group organised in Scotland with the model in Mexico or a group in the Netherlands with the model in India for instance. I drew models in Australia, the USA, India, Colombia and Taiwan — all in a couple of weeks. I got chatting with other artists across the globe and found once again that many were like-minded people regardless of nationality. It was inspiring and I increased my drawing time to three to four three-hour sessions a week and filled sketchbook after sketchbook.
My style adapted again, as drawing from a flat screen a metre in front of you is totally different to being in a live class. But I quickly found that some things were actually better on Zoom. I didn’t have to go anywhere or carry my stuff with me, I could draw anytime that suited, and some of the camera angles and lens distortions that the models were exploiting made for some very interesting material. Some models became favourites — a girl posing from her flat every Monday morning in Amsterdam, an Italian actress living in Barcelona, an Australian woman whose sessions were at 9.00 am GMT where the other artists local to her were having an evening glass of wine while I had my breakfast coffee, and the wonderful, imaginative Olja, a Polish actor and dancer living in Belgium. Olja raised the bar, presenting challenging poses from whacky angles, often inspired by artists I’d never heard of whom she’d researched for poses (Dennis Sarahzin, Ferdinand Hodler, Malcolm Liepke).
I began experimenting with pastels and coloured pencils for the first time in years and fell in love with the process again. I still get the odd phase in which I struggle, sometimes due to the model, the length of poses or a poor quality picture, but mostly because I am not up to it all the time. It’s not a tap you can turn on and off, but the more you draw, the better you get and the fewer duff drawings you produce. Most of the time.

Naturism
After all these years and thousands of drawings I had hardly ever sold any of my work — not that I had tried very hard. There was the commission in Manchester, I had sold one through a local gallery, a couple to a model and a handful via Instagram, but I could not see that there was much of a market for nudes. After a visit to a naturist beach in Greece in 2019 it dawned on me that I may have found a potential market. The idea stagnated until lockdown came along and I found the time to do something with it. I designed an advert to place in the British Naturism magazine in the hope that I could get some interest from its members in commissioning a nude portrait of themselves or partner. After three weeks I got an enquiry from a gentleman who, coincidentally, lived just down the road from me! This being during lockdown meant we still had to use Zoom however. The session went well though and I sold him a set of portraits. But then, nothing.
A couple of weeks later I got a phone call from the magazine to check if the advert had worked. When I said no, they suggested that I join as a member instead so that I could promote my work through the forums on their website. It worked and I soon had five or six commissions under my belt (yes, I was still wearing one — I needed somewhere to keep my pencils). I’ve since done commissions for naturists across the UK, in Portugal, Spain and in the US — that’s the beauty of doing it on Zoom, it doesn’t matter where the sitter is. They are also at ease, perhaps because they are used to being naked, but also because they are in their home environment.
Then, earlier this year I got an enquiry to draw a couple on their fiftieth anniversary visit to a naturist resort in Wales. This was a bit different as I would be drawing them face to face. What made it much different was that I would have to be naked too! I didn’t know how to take this, but they offered a good sum for the work and the weather looked ok so, after consulting my ever tolerant wife, I said yes. I had no qualms about stripping off, I’d been to naturist beaches several times abroad, but that was always in hot sunny weather and, nice as west Wales is, it’s not often that warm. It was OK though, the sitters were very welcoming and soon put me at ease, taking me around the site for a look around, and tried to canvass some more work for me while I was there. So I sat there naked, drawing through a cool, light mist that everyone was doing their best to ignore. It was a challenge, not because I was naked, you soon get used to that, but it was the first time I’d drawn anyone that wasn’t on screen for a good year. They were happy with the work though and kindly made me lunch before I set off again.

What next?
So, apart from a bit of money, what do I get from drawing? I often ask myself. I find peace in it, is the short answer. I switch my brain off when I draw and let instinct and practice take over. Drawing in any form is a great discipline for a visual creative (I am a graphic designer by trade). It encompasses line, form, colour, composition, technique, and develops concentration and judgement. The time limitation imposed by the stamina of the model demands a need to work quickly, with a constant, on the fly, reassessing of line, value and comparative proportion. You gain an appreciation that small details can be the life force of a drawing, a flick here, a gestural mark there, even a drip or splatter can enliven a piece of work.
I recently started making timelapse movies as I worked, and the results were very interesting. I hadn’t realised that I approach each drawing so differently, sometimes sketching out the proportions lightly first, sometimes starting at the head, other times at the feet. It is an intellectual process of course but after all these years of experience I’m not actively thinking it through, I just respond to what I see. I am happy that it shows that even after all this time I am still learning from the process. It has been constantly fascinating to me for over forty years and I can’t see that ending any time soon.